Nederland. El lugar de la ideología y de la ironía en el nuevo realismo: el caso de Daniel Guebel






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SIMPOSIO INTERNACIONAL

IMÁGENES Y REALISMOS EN AMÉRICA LATINA

Leiden, 29-9/1-10 2011

Resúmenes de las ponencias


Adriaensen, Brigitte. Universiteit Radboud, Nederland.

El lugar de la ideología y de la ironía en el nuevo realismo: el caso de Daniel Guebel

La estética de la frivolidad se suele considerar como un rasgo esencial de lo que se ha venido a llamar el ‘nuevo realismo’ (Rodríguez Carranza 2009). Si bien se caracteriza por una narración que –al estilo de Sheherezada- se queda casi sin aliento, llevándonos de sorpresa en sorpresa, el final de estas novelas a menudo se caracteriza por un cansancio abrupto del narrador, que abandona la trama y nos deja ante un vacío o una sensación de lo absurdo difícilmente explicable (Sarlo 2007: 43). Rodríguez (1999) ha argumentado que los nuevos realistas latinoamericanos, como Bizzio, Toscana o Aira, hacen uso de un discurso ready made, estereotipado, reminiscente del melodrama y del kitsch, que no hace sino manifestar el fracaso inevitable de la comunicación. Al mismo tiempo, este uso performativo del lenguaje genera un efecto humorístico por ser un indicio del abismo insalvable entre el discurso hueco y la realidad imposible de representar.

En esta ponencia quisiera centrarme en la obra de Daniel Guebel, para indagar en lo que se podría llamar ‘el residuo’ de la ideología y de la violencia en el discurso estereotipado de sus novelas (El terrorista, La novela de Perón o El perseguido). La pregunta principal consiste en saber cómo compaginar la carga política y la presencia de la violencia en la narrativa de Guebel con el discurso ahuecado del estereotipo, del kitsch, del melodrama, y cuál puede ser la función de la ironía, del humor y de lo absurdo en ello. En particular se investigará si le queda alguna función transideológica (Hutcheon 1996) a la ironía en relación con este discurso residual y estereotipado.
Amado, Ana. Universidad de Buenos Aires, Argentina.

Formas visuales del disenso. Políticas del arte e imágenes afección

En la producción contemporánea de imágenes y narrativas sobre el pasado la forma-ensayo, ha generado su propio sistema de conexión visual y conceptual entre materiales heterogéneos, entre componentes que se deslizan en la brecha entre literatura y cine y se apoyan en las experiencias de la escritura –narrativas y poéticas- y el montaje (en modelos estéticos que recuerdan la producción visual y teórica francesa o alemana de entreguerras) .

En mi paper abordaré la obra de documentalistas argentinos cuyo ejercicio de memoria consiste en la recreación de las pequeñas historias de lo cotidiano contenidas en la historia pública. Entre el autorretrato, la memoria personal y la reescritura (Bellour), las obras visuales de Gustavo Galuppo participan de la tendencia contemporánea a la mezcla de géneros y la hibridación entre medios, prácticas y soportes para la elaboración de complejas tramas de representación. En Yo y Duras, es la figura borgeana de Pierre Menard el que permite apropiarse de formas y textos durasianos para decir lo propio. En Sweetheart, Galuppo pone en escena materiales diversos, visuales y sonoros, apropiándose de archivos ajenos y utilizando registro propio elaborado con distintas fuentes: VHS, cámara web, súper 8,para reflexionar sobre el cine y la producción de imágenes y volver simultáneamente sobre una relación amorosa.

En una línea paralela pero no convergente, Andrés Denegri compone en Grito imágenes que retrotraen la mirada sobre los primero años de un niño fascinado (Blanchot). Con el uso de archivos familiares, fotografías y home movies filmados por su padre, dispone un mosaico de imágenes que superpone capas de pasado mezclando tanto lo cotidiano como lo espectacular. Lo privado como lo público. Lo mínimo y lo extraordinario con formas y textos que conforman un comentario múltiple.

A través de estos ejemplos analizaré los procedimientos que a modo de paradoja entre imagen y acontecimiento, disponen una insustituible matriz poética y tecnológica para la memoria histórica, familiar, personal. Esa trama mixta acumula imágenes en diversas capas que superponen tiempos, edades, registros (Deleuze, Didi-Huberman) en autorretratos en los que el “yo” se vuelve un “nosotros” amoroso, afectivo e intelectual
Antelo, Raúl. Universidade Federal de Santa Catarina, Brasil.

El realismo y su sombra

Levinas rompe con la tradición fenomenológica argumentando que el objeto representado, al transformarse en imagen, se convierte en no-objeto. Admitiendo la intencionalidad de la imagen, refuta, sin embargo, la inocencia de la teoría fenomenológica de la transparencia, gracias a la cual la intención de quien contempla iría directamente, a través de la imagen, hacia lo representado. Levinas le replica al realismo de los temps modernes, que sólo el signo, y en ningún caso la imagen, está dotado de transparencia y que, contrariamente a la imagen, el signo nunca se parece a aquello de que es, precisamente, signo. De ahí su pregunta: “¿En qué difiere la imagen del signo?” y su no menos fundamental respuesta: en la manera en que se relaciona con su objeto, es decir, no por representación, sino por semejanza. Ahora bien, este planteo escinde linajes y así tendremos, de un lado, la estética engagée de Sartre (o de Antonio Candido, o de Angel Rama) y, del otro, la estética dégagée de Levinas. La pregunta es entonces ¿Cómo piensa la imagen? ¿Cómo interactúa ese signo con el tiempo que es memoria, o sea presente, pero es también prospección futura? Rasgada y heterogénea, en cuanto sombra, la imagen monta, en un mismo punto, dos tiempos distantes, pero como, por otro lado, lo representado, la vida, tampoco es ya natural, nos encontramos ante un humanismo póstumo, en que el tiempo surge como un valor artificialmente producido. La vida se politiza entonces automaticamente, ya que las decisiones técnicas y artísticas que modulan el tiempo son también decisiones que atañen a lo público. Voy a detenerme en cierta tradición latinoamericana de la sombra como forma de la in-operancia, del arte des-oeuvré. “El alma se da en la sombra”, decía Lezama Lima, y la imagen, como coloreado espejo, “sombra es del recuerdo y minuto del silencio”. La imagen, un colorido y simulacral espejo de lo viviente, no pasa de sombra del recuerdo e instante de lo eterno. El poeta Schmidt, director de la revista brasileña Sombra, pensaba, en cambio, que “a sombra é o que há de permanente, de verdadeiro e de antigo, entre tantas coisas verdes e efêmeras”. En Sombra estrena Saul Steinberg. Sus imágenes, amén de suministrale a la vida un mode d´emploi, a través del gesto diferido de Perec, nos permiten pensar la imagen como una paradoja. De la sombra de Steinberg, Barthes decía que “survient et ôte l’ombre à ses règles; puis il vient une seconde fois et la leur rend; mais ce n’est pas la même ombre: elle est devenue le paradoxe d’un paradoxe”.
Asse, Eugenia. Universidad Iberoamericana, México.

Imágenes subvertidas, imágenes subversivas: sobre héroes y suicidas en Otra vez el mar de Reinaldo Arenas

Cada vez más, imágenes de héroes provenientes de géneros altamente formulaicos, como el detectivesco o el western, son recuperadas por la narrativa latinoamericana. Se trata, muy a menudo, de la utilización irónica de una imagen que se subvierte, para situarse en una zona de ambivalencia y equivocidad. La imagen subvertida del héroe se construye como propuesta ante discursos monológicos como los de las dictaduras, discursos que recuperan y radicalizan el de la modernidad. En este sentido, la imposibilidad de reconocer y validar esta condición de ambigüedad dentro de la novela o, al contrario, la insistencia en dotar al héroe de lo que Slavoj Žižek denomina “un punto de densidad suprema de Sentido”, responden a la postura ideológica que dichos discursos asumen. El héroe de esta narrativa representa la imposibilidad de su propia existencia heroica, o la posibilidad de la ambivalencia como heroicidad. Para desarrollar esta hipótesis utilizando diversos ejemplos de personajes latinoamericanos, retomaré la teoría de Zygmunt Bauman en torno a la modernidad y la ambivalencia, así como al análisis que de la ideología hace Slavoj Žižek.

Baudry, Paul. Paris IV, France.

La celada de la imagen : visualidad mental y descaminos de la cuentística de Julio Ramón Ribeyro

La cuentística de Ribeyro discute la preponderancia epistemológica de las imágenes en las representaciones mentales y procesos cognitivos. La omnipresente visualidad en toda narración de pensamiento plantea la imagen (ícono, motivo, tópico) como herramienta necesaria pero ambigua para el conocimiento: al interiorizar el mundo como imagen, el sujeto ribeyriano es inducido al error. Sus propiedades desrealizantes tienden a emanciparla del representante y a someterla a cambios plásticos y semánticos que la armonizan ineluctable y abusivamente con los deseos y carencias del individuo. En ese sentido, el acervo cervantino y flaubertiano sustenta firmemente aquellos descaminos imaginarios y hermenéuticos que corrompen nuestro juicio y nos conducen al chasco e incluso a la muerte, fraguando una dimensión ética que hace de Ribeyro un escritor del cómo pensamos. La respuesta es contundente: la imagen, creación vicaria de una presencia, es una celada.
Borba, María Salete. Universidade Federal de Santa Catarina, Brasil.

O real enquanto vazio em João Gilberto Noll

A proposta é ler em Hotel Atlântico (1989) de João Gilberto Noll o real não a partir de uma perspectiva fixa, mas, a partir do fluxo, do fluir das paisagens e das personagens que nos são apresentadas ao longo de relato contemporâneo. Desse modo, para se aventurar pela obra de João Gilberto Noll deve-se estar predisposto à surpresa, à perturbação.

Hotel Atlântico como as obras que surgiram no auge do modernismo, possui uma forma fragmentária e entrecortada, mas essa fragmentação não deve ser considerada como sinal de imaturidade ou de incompletude, mas, sim, como algo em transformação, em fluxo. É este aspecto contínuo e sem controle que vem à tona não como a imagem de um mapa, mas como uma espécie de labirinto. Neste labirinto o vazio impera e se apresenta tanto através das pulsões de um corpo que vagabundeia, quanto nas paisagens de regiões cujo cenário é “construído” pelo próprio narrador/protagonista.
Borsó, Vittoria. Heinrich Heine Universität Düsseldorf, Deutschland.

La “realidad de las imágenes”: acontecimientos de la visualidad

Mi ponencia trata de revisitar el problema de la mímesis desde una teoría de la inmanencia. Como demuestra Gilles Deleuze en su estudio sobre Michel Foucualt y René Magritte (“Topologie. Penser autrement”) la realidad está en la imagen, no es exterior a ella. Sin embargo, ¿cuáles son las condiciones de su emergencia? ¿cómo se organiza la relación entre sujeto y mundo, entre y imagen y vida? Partiendo del regimen de la visibilidad, mi ponencia explora su ruptura por la estética de las imágenes tanto en la pintura (Rufino Tamayo y la “Generación de la ruptura”) como en la literatura (Nellie Campobello y Margo Glantz) así como en los pasajes de la visualidad entre imagen y escritura. La realidad performada por las imagenes corresponde por ende a una política de la estética (Jacques Rancière). El páthos (Aby Warbug) y los afectos juegan, entre otras cosas, un rol imprescindible en la producción de realidades.
Bosteels, Bruno. Cornell University, U.S.A.

Imagen y acontecimiento: Apuntes para una crítica de la ideología del arte en la era del capitalismo desenfrenado

Partiendo de la obra del pintor argentino Guillermo Kuitca, entre otros artistas, quisiera volver a la discusión sobre arte e ideología que llegó a su más alta intensidad en los sesenta y los setenta de parte de teóricos como Louis Althusser, para llegar a una interrogación crítica de la filosofía del acontecimiento que comparten casi todos los filósofos europeos desde Gilles Deleuze a Alain Badiou.

No creo que haya muchos artistas y aún menos críticos/curadores que se alejen hoy día de la noción del arte como trabajo sobre el acontecimiento, la discontinuidad, el "gap" o "écart" entre norma y desviación, estructura y acontecimiento, automaton y tuchè, etc. Ahora bien, me parece que detrás de esa estética yace un presupuesto de la libertad (desviación, intervención, ruptura) que es perfectamente homogéneo con la circulación del valor en el capitalismo desenfrenado. Es el laberinto de complicidades en torno a ese presupuesto que quiero desandar.
Caballero Vázquez, Miguel. Universiteit Leiden, Nederland.

Matar al avatar. Estética y estructura narrativa de videojuegos en Diablo Guardián, de Xavier Velasco

Si el cine funciona como un espejo en el que los espectadores se reconocen y delinean su identidad, la gran contribución de los videojuegos es hacer tangible esta identificación, gracias a la incorporación a la pantalla del cuerpo del espectador, ahora convertido en jugador, y, en buena medida, responsable del relato. En la presente comunicación proponemos un estudio de la significación que las imágenes de los videojuegos tienen para Violetta, la protagonista de Diablo Guardián. Según nuestra hipótesis, los videojuegos le proporcionan la combinación de desafíos, inmersión y control que ella ansía trasladar al resto de su “realidad”. Lo que propone Violetta, es, a nuestro parecer, un estallido brutal del círculo mágico que delimita la partida, es decir, trasladar la experiencia de control vivida en los videojuegos al resto de su “realidad”. Según Caillois, esto supone la perversión absoluta del juego; sin embargo, la teoría de videojuegos contemporánea aboga por superar esta imagen hermética (cf. Consalvo), de tal forma que se pueda no sólo considerar las expectativas y deseos que el jugador incorpora al (video)juego, sino también las consecuencias que el jugar tienen en el resto de la “realidad” del jugador, esto es, las potencialidades políticas del (video)juego. Estudiamos, asimismo, los videojuegos como desafíos a la muerte, pues en ellos el jugador puede ser derrotado, muerto, y, aún así, reiniciar la partida. Aparentemente, la vida no ofrece esta opción. Éste es, por tanto, el gran reto que enfrenta Violetta, pues, si quiere seguir jugando, sólo tiene una salida: arrancarse la máscara que se había diseñado para el juego, matar al avatar.
Cámara, Mario. Universidad de Buenos Aires, Argentina.

Invocaciones al Marques, imprecaciones contra el pueblo. Masotta, Bony y Lamborghini

Al menos tres intervenciones culturales discordantes se producen en Argentina en medio del clima de radicalización política que desató el golpe de Estado de Juan Carlos Onganía, una verdadera contraofensiva tradicionalista que marcó de manera indeleble los turbulentos años setenta: Para inducir el espíritu de la imagen, el segundo happening de Oscar Masotta realizado en 1966 en el Instituto Di Tella; La familia obrera, la “escultura viviente” de Oscar Bony realizada también en el Instituto Di Tella en 1968; y el relato “El niño proletario” de Osvaldo Lamborghini escrito en 1969. Mientras que no dejaban de producirse imágenes áureas del pueblo, el debate de artistas e intelectuales pasaba por definir la estrategia más eficaz de acompañar a los sectores populares para transformar la realidad política del país, estas tres intervenciones, para utilizar palabras de Oscar Masotta referidas a su happening, pueden leerse como un acto de sadismo social. El trabajo se propone un análisis de las diferentes y posibles significaciones de estas imágenes combate.
Camargo, Maria Lúcia de Barros. Universidade Federal de Santa Catarina, Brasil.
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